Carsten Nicolai Nicolai in der Sammlung DEILMANN Seine Kunst erweitert die Grenzen traditioneller Medien, indem sie Klang, Mathematik und visuelle Ästhetik vereint. Nicolais Arbeiten eröffnen neue Perspektiven auf digitale Kunst und elektronische Musik und sind damit eine wertvolle Bereicherung für die Sammlung Deilmann, welche die Verbindung von Kunst und Technologie schätzt. Anna Deilmann, Kuratorin der Sammlung DEILMANN Carsten Nicolai während einer Performance als Alva Noto (2009) Ausgehend von seinem Studium der Landschaftsarchitektur entwickelte sich Carsten Nicolai (geb. 1965) zu einem der innovativsten zeitgenössischen Künstler und Musiker. Mit seinem minimalistisch geprägten Werk, das Klang und visuelle Medien vereint, experimentiert er mit der Wahrnehmung von Raum und Zeit. Als Alva Noto bekannt, wird er seit den 1990er Jahren als einer der führenden Köpfe der experimentellen elektronischen Musik gefeiert. Nicolais Kunst fokussiert sich auf die Schaffung von Codes und Mustern, inspiriert durch wissenschaftliche Phänomene wie Selbstorganisation und Zufall. In seinen raumgreifenden Installationen und Musikprojekten nutzt er die Wechselwirkung zwischen Klängen, Bildern und mathematischen Strukturen. Neben bedeutenden internationalen Ausstellungen, etwa auf der 49. und 50. Biennale di Venezia (2001 und 2003) und der documenta X (1997), hat er zahlreiche Kollaborationen, u.a. mit Ryūichi Sakamoto und Iggy Pop, vorzuweisen. 1994 gründete Nicolai das Label Raster-Noton, das experimentelle elektronische Musik weltweit prägte. Heute lebt und arbeitet er in Berlin und hat eine Professur für Kunst mit dem Schwerpunkt auf digitalen und zeitbasierten Medien an der Hochschule für Bildende Künste Dresden inne. •1999: Kai Grehn: gaia 125, (Doppel-LP, Major Label), Autorenproduktion i. A. vom WDR •2003: William S. Burroughs: The Retreat Diaries. Tagebuch eines Rückzugs. – Regie: Kai Grehn (CD, Edition Galerie Vevais), SWR •2007: Kai Grehn/Carsten Nicolai: Messages for 2099, HR/DLF •2011: Charles Baudelaire: Die künstlichen Paradiese – Regie: Kai Grehn (CD, Hörbuch Hamburg), RB/HR/RBB/SR •2011: Kōbō Abe: Die Frau in den Dünen – Regie: Kai Grehn, NDR •2013: Marguerite Duras: La Musica – Regie: Kai Grehn, SR/RBB •2014: Walt Whitman: Kinder Adams. Children of Adam. – Regie: Kai Grehn (CD, Hörbuch Hamburg), RB/DLR/SWR •2016: Antoine de Saint-Exupéry: Der kleine Prinz – Regie: Kai Grehn (CD, Hörbuch Hamburg/Silberfisch), WDR •2023: Kai Grehn: Die Causa Jeanne d’Arc – Regie: Kai Grehn, SWR/RBB Hörspiele (Auswahl) Mathematik und Kunst verschmelzen in Carsten Nicolais Arbeiten zu einem faszinierenden Dialog. In seinen interdisziplinären Installationen und Klangprojekten wird die unsichtbare Sprache der Mathematik sichtbar: Geometrische Strukturen, Zahlen, Gitter und Codes werden zu ästhetischen Elementen, die den Raum nicht nur visuell, sondern auch akustisch und räumlich definieren. Nicolai schafft eine Kunst, die sich auf die Grundlagen der Mathematik stützt, dabei aber weit über die Rationalität hinausgeht. Seine Werke entführen den Betrachter in eine Welt, in der abstrakte, präzise Strukturen zu lebendigen, emotional erfahrbaren Kunstwerken werden – eine neue Sicht auf die Schönheit der Ordnung und die Unendlichkeit des Universums. Der Klang der Mathematik Mit einer meisterhaften Verschmelzung von Klang, Raum und visuellen Elementen schafft Carsten Nicolai Werke, welche die Grenzen zwischen den Sinneswahrnehmungen verwischen. Durch seine interaktiven Installationen und Klangkunstprojekte fordert er nicht nur die Sinne heraus, sondern auch die Art und Weise, wie wir Wahrnehmung selbst verstehen. Nicolais Arbeiten, die oft digitale und elektronische Musik integrieren, setzen neue Maßstäbe in der digitalen Kunst. Seine Werke entfalten sich als grenzenlose Signale, die den Raum transformieren und den Betrachter in eine neue Dimension der künstlerischen Erfahrung entführen – eine Verschmelzung von Technik, Kunst und dem menschlichen Erleben. Grenzenlose Signale in der Sammlung Deilmann Künstler der Sammlung Voriger Künstler Alle Künstler Nächster Künstler •1986: Galerie EIGEN + ART, Leipzig •1991: Institute for Contemporary Art, Berlin •1992: Galerie Springer, Berlin •1998: Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig •1999: 1% space, Kopenhagen, Dänemark •2000: Kunsthalle Ystad, Schweden •2002: WATARI-UM, Watari Museum of Contemporary Art, Tokyo •2003: Galerie EIGEN + ART, Berlin •2005: Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gent, Belgien •2005: Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main •2005: Neue Nationalgalerie, Berlin, sowie Bern, Schweiz und in Yamaguchi, Japan •2006: Frieze Art Fair, London; Galerie EIGEN + ART, Leipzig •2007: Haus Konstruktiv, Zürich, Schweiz •2007: Pace Gallery, New York, USA •2008: Hamburger Kunsthalle, Hamburg •2008: Galerie EIGEN + ART, Berlin •2009: Schering Stiftung, Berlin •2010: YCAM Yamaguchi, Japan •2010: Pace Gallery, New York, USA •2010: Temporäre Kunsthalle, Berlin •2010: Museum der Bildenden Künste Leipzig, Leipzig •2011: Pace Gallery, New York, USA •2012: HangarBicocca, Mailand, Italien •2012: Musée d’art contemporain, Montréal, Kanada •2013: Galerie EIGEN + ART, Berlin •2013: Museum für Moderne Kunst, Frankfurt a. M. •2014: ICC International Commerce Center Hong Kong, Art Basel, Hongkong, China •2014: SonarPLANTA, The Sorigué Foundation, Barcelona, Spanien •2015: The Vinyl Factory, London, Großbritannien •2015: Borusan Contemporary, Istanbul, Türkei •2015: Kunstverein Braunschweig •2015: Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart •2015: Kunstsammlungen Chemnitz, Chemnitz •2016: Copenhagen Contemporary, Kopenhagen, Dänemark •2016: Galerie EIGEN + ART, Berlin •2016: Seibu Shibuya, Tokio, Japan •2017: St.-Anna-Kapelle in Krobitz, Weira •2017: Ichihara Lakeside Museum, Japan •2018: Galerie EIGEN + ART, Berlin •2018: Berlinische Galerie, Berlin •2019: Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf •2019: Lehmbruck Museum, Duisburg •2022: Galerie EIGEN + ART, Berlin (mit Albert Oehlen) •2022: Haus der Kunst, München •2023: Marsèll Paradise, Mailand, Italien •2024: MACRO - Museo di Arte Contemporanea di Roma, Rom, Italien Ausstellungen (Auswahl) •1997: documenta x, Kassel •1997: MoMA PS1, New York, USA •1999: Liverpool Biennial, Liverpool, Großbritannien •2000: MoMA PS1, New York, USA •2001: 49. Biennale di Venezia, Venedig, Italien •2001: Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlin •2001: Istanbul Biennial, Istanbul, Türkei •2002: Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main •2003: 50. Biennale di Venezia, Venedig, Italien •2003: Martin-Gropius-Bau, Berlin und Moskau, Russland •2006: Singapore Biennale, Singapur •2007: 2nd Moscow Biennale, Moskau, Russland •2007: Städel Museum, Frankfurt am Main •2007: Museum of Contemporary Art, Tokio, Japan •2008: Freiraum/quartier21 und MuseumsQuartier, Wien, Österreich •2009: Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection, Mori Art Museum, Tokio, Japan •2011: Yokohama Triennale, Japan •2012: Echigo Tsumari Triennial, Echigo-Tsumari Satoyama Contemporary Art Museum, Tokomachi, •2013: Museum of Modern Art, New York, USA •2013: Museum of Modern Art, Kopenhagen, Dänemark •2014: Fondazione Prada, Venedig, Italien •2015: Museum Haus Konstruktiv, Zürich, Schweiz •2015: Haus der Kunst, München •2016: Nam June Paik Art Center, Yongin-si, Gyeonggi-do, Korea •2017: Fishing for islands, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlin •2017: Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gent, Belgien •2018: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München •2019: Saatchi Gallery, London, Großbritannien •2019: Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main •2019: Philharmonie de Paris, Frankreich •2020: Museo Reina Sofía, Madrid, Spanien •2020: Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf •2020: Bundeskunsthalle Bonn, Bonn •2021: Kunsthalle Rotterdam, Niederlande •2021: Palazzo delle Esposizioni, Rom, Italien •2021: ArtScience Museum, Singapur •2021: Kunstmuseum Bonn, Bonn •2022: Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlin •2022: Ulsan Art Museum, Korea •2022: Kunsthalle Mainz, Mainz •2022: Villa Merkel, Esslingen •2023: Pinakothek der Moderne, München •2023: Shenzhen Museum of Contemporary Art and Urban Planning (MOCAUP), China •2024: KW Institute for Contemporary Art, Berlin Gruppenausstellungen (Auswahl) •1996: noto: spin, noton / raster music •1997: noto: ∞ (endless loop edition), raster music •1997: Ø + noto: mikro makro, noton / raster music •1998: noto: polyfoto, Raster-Noton •1998: noto: kerne, Raster-Noton •1999: noto: empty garden, Watari-um Museum, Tokio, Japan •1999: noto: time..dot, Raster-Noton •1999: signal: centrum (mit Olaf Bender und Frank Bretschneider), Raster-Noton •1999: noto + Yoko Towada: 13, Raster-Noton •2000: Alva Noto: Prototypes, Mille Plateaux •2000: noto: Telefunken, Raster-Noton •2001: Alva Noto: transform, Mille Plateaux / Raster-Noton •2001: noto: Modul 4, Raster-Noton •2001: cyclo. (Ryōji Ikeda + Alva Noto): . , Raster-Noton •2001: Ø + noto: wohltemperiert, Raster-Noton •2002: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Vrioon, Raster-Noton •2002: noto: autorec, Raster-Noton •2002: noto: ∞ (endless loop edition II), Raster-Noton •2003: noto: ∞ (sonar endless loop edition III), Raster-Noton •2004: Opto (Opiate + Alva Noto), Opto 2nd, Hobby Industries •2004: Alva Noto: transrapid, Raster-Noton •2005: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Insen, Raster-Noton •2005: Alva Noto: transspray, Raster-Noton •2006: Alva Noto: For, LINE •2007: Alva Noto: Xerrox Vol.1, Raster-Noton •2007: signal: robotron (mit Olaf Bender und Frank Bretschneider), Raster-Noton •2008: Alva Noto: UNITXT, Raster-Noton •2009: Alva Noto: Xerrox Vol. 2, Raster-Noton •2009: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto + Ensemble Modern: Utp_, Raster-Noton •2010: Alva Noto: For 2, LINE •2010: anbb (Alva Noto + Blixa Bargeld): Mimikry, Raster-Noton •2010: anbb (Alva Noto + Blixa Bargeld): ret marut handshake, Raster-Noton •2011: Alva Noto: UNIVRS, Raster-Noton •2011: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Summvs, Raster-Noton •2012: Anne-James Chaton, Alva Noto & Andy Moor: Décade, Raster-Noton •2015: Alva Noto: Xerrox Vol. 3, Raster-Noton •2015: Ryūichi Sakamoto, Alva Noto & Bryce Dessner: The Revenant (Original Motion Picture Soundtrack), Milan Records •2018: Alva Noto: UNIEQAV, Noton •2018: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Glass, Noton •2019: Alva Noto + Anne-James Chaton: Alphabet, Noton •2019: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: TWO (Livealbum), Noton •2020: Alva Noto: Xerrox Vol. 4, Noton •2020: Alva Noto: A Forest, Noton •2021: Alva Noto: HYbr:ID I, Noton •2022: Alva Noto feat. Martin L. Gore & William Basinski: Subterraneans, Noton •2022: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Summvs (reMASTER), Noton •2022: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Utp_ (reMASTER), Noton •2022: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Revep (reMASTER), Noton •2022: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Insen (reMASTER), Noton •2022: Alva Noto + Ryūichi Sakamoto: Vrioon (reMASTER), Noton •2023: Alva Noto: This Stolen Country of Mine (Original Motion Picture Soundtrack), Noton •2023: Alva Noto: Kinder der Sonne (From „Komplizen“), Noton Discographie

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Adolf Luther Luther in der Sammlung DEILMANN Luthers Kunst öffnet neue Dimensionen, indem sie Raum und Licht miteinander tanzen lässt. Mit seinen kinetischen Spiegelobjekten erschafft er fließende, optische Welten, die im Dialog mit ihrer Umgebung stehen und deren Wahrnehmung immer wieder neu gestalten. In dieser spannungsgeladenen Wechselwirkung entfaltet sich eine Kunst, die den Raum nicht nur füllt, sondern ihn lebendig werden lässt und Unsichtbares hinter der wahrnehmbaren Realität offenbart – ein faszinierendes Erlebnis in der Sammlung Deilmann. Adolph Luther von Lothar Wolleh Licht, Raum und Bewegung – das sind die zentralen Elemente in Adolf Luthers Werk. Geboren 1912 in Krefeld-Uerdingen, begann er zunächst eine Karriere als Jurist, bevor er 1957 die Richterlaufbahn zugunsten der Kunst aufgab. Seit den 1940er Jahren widmete er sich der Malerei, doch es war seine Auseinandersetzung mit Licht und Raum, die ihn in den 1960er Jahren zu einem führenden Vertreter der kinetischen Kunst und Optical Art machte. Luthers Werke entfalten ihre Wirkung vor allem in der Wechselwirkung zwischen dem Kunstwerk und seinem Raum. Mit seinen Hohlspiegelobjekten und Installationen aus Licht, Spiegeln und Rauch, später auch mit Laserstrahlen, hinterfragt er die Wahrnehmung des Betrachters und integriert seine Werke in die Räume, in denen sie präsentiert werden. Besonders in seinen Architektur-Integrationen, wie etwa für die Olympischen Spiele 1972 in München oder die Tonhalle Düsseldorf, wird die Kunst selbst Teil der Architektur, die sie umgibt. Luthers Arbeiten lassen den Raum nicht nur als Kulisse erscheinen, sondern machen ihn zu einem aktiven Bestandteil der künstlerischen Aussage. Diese Verbindung von Licht, Raum und Technik verleiht seinen Arbeiten eine zeitlose Energie und lässt sie immer wieder neu erfahren. In der Verschmelzung von Kunst und Umwelt, in der die Grenze zwischen dem Objekt und der umgebenden Architektur verschwimmt, erschafft Luther eine Kunst, die den Betrachter herausfordert, die Welt mit anderen Augen zu sehen. Durch die meisterhafte Verwendung von Hohlspiegeln gelang es Adolf Luther, Räume in kinetische Kunstwerke zu verwandeln, die den Betrachter in eine neue Dimension der Wahrnehmung entführen. Seine Spiegelobjekte gehen über die reine Reflexion hinaus und spielen mit Licht und Raum, indem sie die Umgebung in ständige Bewegung versetzen. Was zunächst als einfache Spiegelung beginnt, entwickelt sich zu einem dynamischen Spiel von Licht, Form und Fläche. Luthers Hohlspiegelobjekte beziehen den Raum mit in das Kunstwerk ein, reflektieren und verzerren ihn gleichzeitig, sodass der Betrachter ständig zwischen Realität und Kunst hin- und herschwankt. Es ist eine Kunst, die nicht nur die Außenwelt widerspiegelt, sondern auch die Perspektive des Betrachters in den Mittelpunkt stellt. Die Welt im Spiegel Vom Juristen zum Künstler: Adolf Luthers interdisziplinäre Herangehensweise öffnete neue Wege der künstlerischen Ausdruckskraft und sprengte die Grenzen der traditionellen Kunstsprache. Mit einer fundierten wissenschaftlichen Ausbildung in Rechtswissenschaften und seiner frühen Karriere als Richter brachte Luther eine einzigartige Perspektive in die Kunst ein. Sein Zugang zur Kunst war von der gleichen analytischen Klarheit und Präzision geprägt, die auch in seinem juristischen Denken zu finden sind. Diese rationale Herangehensweise, gepaart mit einer tiefen Leidenschaft für die ästhetischen Möglichkeiten von Licht und Technik, führte zu einer Kunst, die technische Innovation mit visueller und sinnlicher Erfahrung verband. Luther nutzte moderne Technologien, um klassische Kunstformen zu hinterfragen und in ein neues Licht zu rücken – stets mit einem klaren Fokus auf die Verbindung von Ästhetik und Funktion. Zwischen Technik und Ästhetik Luthers kinetische Werke, die er oft direkt in öffentliche Räume integrierte, sind nicht nur Kunstobjekte, sondern lebendige Teile der Architektur, die mit ihrer Umgebung in einen Dialog treten. Durch die geschickte Nutzung von Licht, Spiegelungen und Bewegung verwandelte er alltägliche Räume in außergewöhnliche optische Erlebnisse, die den Betrachter aktiv einbeziehen. Seine Werke, wie etwa die Integrationen für die Olympischen Spiele 1972 oder seine Arbeiten im ehemaligen Kanzleramt in Bonn, sind mehr als nur Kunst – sie werden zu einem Teil des urbanen Lebens und schaffen eine neue Wahrnehmung des Raumes. Indem er Kunst in Architektur und öffentliche Räume einfließen ließ, eröffnete Luther dem Publikum eine neue Dimension der Interaktivität, bei der Kunst und Umgebung nicht mehr getrennt, sondern miteinander verschmolzen sind. Optische Erlebnisse im öffentlichen Raum in der Sammlung Deilmann Künstler der Sammlung Voriger Künstler Alle Künstler Nächster Künstler •1960: Drian-Gallery, London •1974: Städtische Kunsthalle Düsseldorf •1987: Kunsthalle, Bremen •1990: Museum Haus Esters, Krefeld •1991: Museum Schloss Morsbroich, Leverkusen Ausstellungen (Auswahl) •Biennale von São Paulo, Brasilien •1964: Institute of Contemporary Art, Philadelphia, USA •1965: Staatsgalerie Stuttgart •1969: Karl-Ernst-Osthaus-Museum, Hagen •1972: Szèpmüvészeti Múzeum, Budapest, Ungarn •1972: Museum Folkwang, Essen •1978: Städtisches Museum, Bonn •1985: Nationalgalerie, Berlin •1987: Wilhelm-Lehmbruck-Museum, Duisburg •1990: Dumont Kunsthalle, Köln Gruppenaustellungen (Auswahl) Mit Licht als seinem primären Werkzeug schuf Adolf Luther Kunstwerke, die versuchen, das Unsichtbare sichtbar machten. Durch die gezielte Brechung und Spiegelung von Licht entfalteten seine Werke eine Immaterialität, die den Betrachtungsvorgang in ein dynamisches, optisches Erlebnis verwandelt. In Luthers Arbeiten wird Licht nicht nur als ein atmosphärisches Element, sondern als eine aktive, formende Kraft eingesetzt. Durch raffinierte Techniken brachte er Licht in Bewegung und erzeugte kinetische Effekte, die den Raum selbst veränderten und den Betrachter in die Kunst miteinbeziehen. Diese faszinierende Wechselwirkung zwischen Raum, Licht und Wahrnehmung macht Luthers Werk zu einer Auseinandersetzung mit der Essenz der Realität und unserer Wahrnehmung. Licht als Materie

NEWTON Big Nude No. One, Paris Künstler Helmut Newton Werk Big Nude No. One, Paris Inventar-Nr. AD-0049 Datierung 1981 Format 120 x 200 cm Material Silbergelatinedruck Merkmale Auflage 1/3 Signatur mit Filzschreiber auf separtem DIN-A4 Bogen, weiß Provenienz 1981 Helmut Newton 1995 Galerie Bodo Niemann, Berlin 1995 Privatsammlung Andreas Deilmann 2016 Deilmann Stiftung Helmut Newton Voriges Werk Alle Werke Nächstes Werk

Rainer Fetting Fetting in der Sammlung DEILMANN Rainer Fetting verkörpert mit seiner expressiven Farbigkeit und seinen Großstadtmotiven eine wichtige Facette der zeitgenössischen Kunst. Seine Werke spiegeln nicht nur den Geist der ‚Neuen Wilden‘ wider, sondern auch die kulturellen und politischen Spannungen seiner Zeit. Für die Sammlung Deilmann markiert Fetting eine Schlüsselposition, da er sowohl in der Malerei als auch in der Bildhauerei künstlerische Standards setzte, die bis heute inspirieren. Anna Deilmann, Kuratorin der sammlung DEILMANN Rainer Fetting © Samantha Dietmar 2016 Rainer Fetting (geb. 1949) ist ein bedeutender Vertreter der „Neuen Wilden“, einer Künstlerbewegung, die sich durch ihre expressiven Farben und figurative Malerei auszeichnet. In den 1970er Jahren war er Mitbegründer der Galerie am Moritzplatz in Berlin, einem wegweisenden Selbsthilfeprojekt junger Künstler, das später als Zentrum der „Jungen Wilden“ bekannt wurde. Fetting schuf Werke, die sich mit urbanen Themen wie der Berliner Mauer, Stadtszenen und Porträts auseinandersetzen. Neben seiner Malerei entwickelte er ein umfangreiches bildhauerisches Werk, vor allem in Bronze, darunter die bekannte Willy-Brandt-Statue im Atrium des Willy-Brandt-Hauses in Berlin. Fetting lebt und arbeitet in Berlin und auf Sylt. Rainer Fetting nutzte die urbanen Landschaften Berlins als lebendige, pulsierende Kulisse für seine Malerei. In seinen Arbeiten verschmolzen die städtische Dynamik und die politische Spannungen der Zeit mit lebendigen Farben und kraftvollen Figuren. Besonders bezeichnend für sein Werk ist der symbolische Umgang mit der Berliner Mauer, die in Fettings Gemälden sowohl als physische Grenze als auch als Spiegelbild des geteilten Deutschlands fungierte. Die Mauer wurde zu einem wiederkehrenden Motiv, das Fetting in seiner expressiven Malerei sowohl als bedrohliche Mauer als auch als Symbol der Konfrontation und Spiegel der politischen Verhältnisse aufgriff. Mit seinen kräftigen, oft kontrastreichen Farben und den dynamischen, teilweise verzerrten Figuren veranschaulichte Fetting das chaotische und bewegte Leben in einer Stadt, die sowohl von politischen Konflikten als auch von kulturellen und sozialen Spannungen geprägt war. Seine Werke spiegeln eine Atmosphäre des Widerstands, der Rebellion und des Aufbegehrens wider, die in den 1980er Jahren in der Berliner Kunstszene und in der Stadt selbst allgegenwärtig war. Mit seinen Stadtbildern – von der Mauer bis hin zu nächtlichen Straßenszenen – schuf er eine intensive visuelle Sprache, die den Betrachter in die lebendige, oft widersprüchliche Welt Berlins eintauchen ließ. Farben und Figuren im urbanen Raum In seinen Arbeiten transformiert Fetting die menschliche Figur zu einem Medium, das Fragen zu Macht, Sexualität und gesellschaftlicher Norm aufwirft. Die Figuren, die Fetting in Bronze gießt, sind nicht nur statische Darstellungen, sondern agieren in einem Raum, der durch ihre körperliche Präsenz markiert wird. Die Körper in Fettings Skulpturen sind oft verzerrt oder fragmentiert dargestellt, was eine dynamische und konfrontative Wirkung erzielt. Besonders auffällig ist der expressiv kraftvolle Umgang mit Formen, die in ihrer Materialität – der Glätte und den runden, gewölbten Oberflächen der Bronze – mit einer rauen, fast aggressiven Physis kontrastieren. Diese Skulpturen sind nicht nur Körperdarstellungen, sondern auch Reflexionen über den Körper als gesellschaftliches und kulturelles Konstrukt. In Fettings Bronzeplastiken finden sich immer wieder Themen wie Machtverhältnisse, die sexuellen Spannungen in der Gesellschaft und die politische Symbolik von Körpern, die auf Widerstand und Veränderung hindeuten. Mit seinen Arbeiten fordert Fetting die Wahrnehmung des Betrachters heraus und lässt ihn über die Bedeutung und den Platz des menschlichen Körpers in unserer Gesellschaft nachdenken. Skulpturen aus Bronze: Der Körper in der Raumwahrnehmung Fetting war nicht nur ein Maler und Bildhauer, sondern auch ein Experimentator, der die Grenzen zwischen den verschiedenen Kunstformen aufbrach. Besonders auffällig ist, wie er Malerei, Skulptur und Film miteinander verband und eine interdisziplinäre Praxis schuf, die den Betrachter auf unterschiedliche Wahrnehmungsebenen führt. In Fettings Arbeiten verschmilzt die Figurative Malerei mit der physisch greifbaren Präsenz von Skulpturen, während gleichzeitig filmische Aspekte integriert werden, die eine narrative und zeitliche Dimension einführen. Seine Filme und Fotoarbeiten ergänzen die visuelle Kraft seiner Gemälde und Skulpturen, indem sie Bewegung und Veränderung in den Raum und die Bildwelt einfließen lassen. In den 1980er Jahren begann Fetting, filmische Techniken zu nutzen, um seine Arbeiten zunehmend in den Kontext einer kontinuierlichen, erzählerischen Zeit zu stellen – die statischen Figuren seiner Malerei und Plastik erhielten eine zusätzliche Dynamik. Durch diesen interdisziplinären Ansatz stellte er die traditionellen Kategorien von Kunst in Frage und bot neue Perspektiven auf den Raum, die Zeit und die menschliche Figur. Fettings Arbeiten sind somit ein lebendiges Beispiel für die Möglichkeiten, die sich eröffnen, wenn man die bestehenden Grenzen zwischen den Kunstformen überschreitet und miteinander kombiniert. Grenzen zwischen Malerei, Skulptur und Film in der Sammlung Deilmann Künstler der Sammlung Voriger Künstler Alle Künstler Nächster Künstler •1977, 1978: Galerie am Moritzplatz, Berlin •1981, 1982: Anthony d’Offay, London, UK •1981: Bruno Bischhofberger, Zürich, CH •1981, 1982: Mary Boone, New York, NY, US •1982: Paul Maenz, Köln •1983: Yvon Lambert, Paris, FR •1984, 1986: Marlborough Gallery, New York, NY, US •1985, 1987: Galerie Daniel Templon, Paris, FR •1985: Galerie Thomas, München, DE •1986: Museum Folkwang, Essen, DE •1986: Kunsthalle Basel, CH •1987: Galerie Würthle, Wien, AT •1979, 1984, 1985, 1986, 1987, 1988, 1989, 1991, 1992, 1993: Raab Galerie, Berlin/London, DE/UK •1989: Centre d´Art Santa Mònica, Barcelona, ES •1990: Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie/DDR •1990: Stadtmuseum Weimar, DE •1990: Galleria Gian Ferrari Arte Contemporanea, Mailand, IT •1994: Harenberg City-Center, Dortmund, DE •1995: Sammlung Martin Sanders, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg, RU •1995, 1996, 1999: Galerie Tammen und Busch, Berlin •1999: Galerie Michael Schultz, Berlin •1999: NBK, Berlin •2000, 2020: Stiftung Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Landesmuseum Schloß Gottorf •2001: Kunsthalle in Emden •1998, 1999, 2000, 2002: Boukamel Contemporary Art Gallery (BCA), London, UK •2004, 2005: Galerie Borchardt, Hamburg •1997, 2005: Kunsthalle Wilhelmshaven •1983, 1985, 1986, 1988, 2007, 2008: Studio d’Arte Cannaviello, Mailand, IT •2008: Gerhard-Marcks-Haus, Bremen •2009: Toskanische Säulenhalle, Augsburg •2010: Galerie Wolfgang Gmyrek, Düsseldorf •2010: Kunsthalle Tübingen •1988, 1991, 1992, 1994, 1996, 1997, 2000, 2002, 2004, 2006, 2008, 2009, 2011, 2013: Galerie Pfefferle, München •2011: Berlinische Galerie, Landesmuseum für Moderne Kunst, Photographie und Architektur, Berlin •2005, 2009, 2011, 2012: Galerie Deschler, Berlin •2013, 2014, 2017, 2020: Galerie Thomas Fuchs, Stuttgart •2020: Museum für Kunst und Kulturgeschichte, Schloss Gottorf •2020: Dortmunder U, Museum Ostwall, Dortmund •2021: Van Gogh Huis, Zundert, NL Einzelausstellungen (Auswahl) •Art Gallery of South Australia, Adelaide, AU •Bayerische Akademie der Schönen Künste, München, DE •Berkeley Art Museum, CA, US •Berlinische Galerie – Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur, Berlin, DE •Bundeskanzleramt, Berlin, DE •Deutscher Bundestag, Berlin, DE •Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart (Sammlung Dr. Erich Marx), Berlin, DE •Hessisches Landesmuseum Darmstadt, DE •Klassik Stiftung Weimar, DE •Kunsthalle Emden – Stiftung Henri und Eske Nannen, Emden, DE •Kunsthalle Kiel, DE •Kunsthalle Wilhelmshaven, DE •Kunstmuseum Basel – Museum für Gegenwartskunst, Basel, CH •Kunstmuseum Walter, Augsburg, DE •Kunstsammlung Gera, DE •Kunstverein Bamberg, DE •Le Fonds Régional d`Art Contemporain, Auvergne, FR •Ludwiggalerie Schloss Oberhausen, DE •Musée Cannes, FR •Musée Cantini, Marseille, FR •Musée Cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, CH •Musée d‘Art Contemporain, Bourg-en-Bresse, FR •Musée de la Passion, Lille, FR •Museum am Dom, Würzburg, DE •Museum Biedermann, Donaueschingen, DE •Museum des 20. Jahrhunderts, Wien, AT •Museum Folkwang, Essen, DE •Museum für Neue Kunst / ZKM Karlsruhe, DE •Museum Gunzenhauser, Chemnitz, DE •Museum Ludwig, Aachen, DE •Museum Ludwigsburg, Ludwigsburg, DE •Museum of Contemporary Art, San Diego, CA, US •Nationalgalerie, Berlin, DE •National Gallery of Australia, Canberra, AU •National Gallery of Victoria, NGV Collection, AU •Remington Collection, Detroit, MI, US •Rogaland Museum of Fine Arts, Stavanger, NO •Sammlung des Bundesinnenministeriums, Bonn, DE •Sammlung Deutsche Bank, DE •Sammlung Würth, Künzelsau, DE •Städel Museum, Frankfurt am Main, DE •Stiftung Haus der Geschichte, Bonn, DE •Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank, Berlin, DE •Stiftung Schleswig-Holsteinische Landesmuseen Schloss Gottorf, DE •Stiftung Stadtmuseum, Berlin, DE •TAMA, Tel Aviv Museum of Modern Art, Tel Aviv, IL •The National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo, NO •Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, VA, US •Weisman Collection, Los Angeles, CA, US Werke in öffentlichen Sammlungen und Museen Rainer Fetting war eine Schlüsselfigur der „Neuen Wilden“, einer Bewegung, die in den späten 1970er Jahren in Berlin aufkam und sich durch einen radikalen Bruch mit den etablierten Kunstrichtungen auszeichnete. Die Gruppe, zu der auch Künstler wie Salomé, Bernd Zimmer und Helmut Middendorf gehörten, stellte die akademische Kunstauffassung infrage und setzte auf expressive Farben, spontane Maltechniken und eine figürliche Darstellung, die mit der abstrakten Kunst dieser Zeit kollidierte. Fetting nutzte seine Gemälde, um urbane Szenen, Porträts und die Berliner Mauer in lebendigen, oft verstörend kraftvollen Bildern darzustellen. In seiner Kunst kam die rohe Energie der Stadt ebenso zum Vorschein wie die politische Unruhe der Zeit. Die „Neue Wilde“ suchten bewusst nach einem alternativen Ausdruck, der sich von dem distanzierten Stil der Konzeptkunst und Minimal Art abgrenzte, und suchten nach einer anderen Ausdruckskraft, die Fetting in seinen kraftvollen, dynamischen Kompositionen fand. Fetting setzte sich in seiner Kunst mit der urbanen Realität auseinander und schuf großformatige Darstellungen von Körpern und Stadtlandschaften. Dabei nutzte er eine Sprache der Provokation und der Unmittelbarkeit. In seiner Malerei lösten sich die Strukturen der traditionellen Perspektive auf, die Zeichen der Gesellschaft – von der Berliner Mauer bis hin zu den Gesichtern und Körpern der Menschen – wurden laut und ungeschönt in Szene gesetzt. So positionierte er die „Neue Wilde“-Bewegung zentral in der Kunstszene der 1980er Jahre. „Neue Wilde"

NEWTON Baby Sumo Künstler Helmut Newton Werk Baby Sumo Inventar-Nr. AD-0073 Datierung Format 35,8 x 50 cm Material Merkmale Exemplar 3.581 (aus 10.000) Provenienz Privatsammlung Andreas Deilmann Helmut Newton Voriges Werk Alle Werke Nächstes Werk

Dieses ist ein Text in besonderer Sprache für Justin Werner Stötzer Voriges Werk Nächstes Werk Alle Werke

Margareta Hesse Voriges Werk Nächstes Werk Alle Werke

der sammlung DEILMANN Die Sammlung Deilmann setzt auf kreative Partnerschaften! Durch Kooperationen mit dem Kunstverein Münster, Galerien und der Universität schaffen wir spannende Synergien, fördern den Austausch und erweitern das Netzwerk der Kunstszene. Gemeinsam entwickeln wir Projekte, Ausstellungen und Events, die die Vielfalt und Lebendigkeit der Kunst in Münster bereichern. Newsletter Email* Ja, ich möchte gerne den Newsletter Absenden

FETTING Vincent and Truck in New York Künstler Reiner Fetting Werk Vincent and Truck in New York Inventar-Nr. AD-0018 Datierung 1978 Format 95 x 60 cm Material Aquarell Merkmale Betitelt und monogrammiert unten rechts Provenienz Privatsammlung Andreas Deilmann Reiner Fetting Voriges Werk Alle Werke Nächstes Werk